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Death and rebirth · Éric Falardeau



Since his early shorts, Éric Falardeau explores a deep obsession about the body as source of extreme experiences. This trend is very clear in Thanatomorphose, his first feature film, which won the award for best film at the Molins de Rei Festival 2012. Every story from his filmography—like La petite mort, The thing from the lake or Asmodeus—shows a nihilist perspective of human beings in the universe. Beyond the limits of horror and erotism, Falardeau share with us a subversive insight of cinema and visual language, death and rebirth.

< references >
I would say that I prefer specific films rather than specific filmmakers. Hellraiser, for example, is an important film for me because of its erotic imagination and its strong images (the character of Frank, the Cenobites, etc.). The nihilism of Cannibal Holocaust, the audacity of Nekromantik II, the violence of The Texas Chainsaw Massacre and the baroque mise en scène of Suspiria have all influenced me to varying degrees.

< political correction >
I hate this new moralizing trend in so-called elevated horror. Horror for me must be disturbing and transgressive. It must be the experience of a certain limit. It must confront us with our dark sides and contradictions. There is a difference between a moral cinema and a moralizing cinema. You have to leave space for the viewer. What these films do not do. I don't need to be lectured about my behavior. I know how to tell the difference between fantasy, dream and reality. One is not the other.

< fluids, gore and porn >
The most important thing about this triad is our relationship to death through the slow disintegration of the body in aging and disease. The body is what we experience the world through. It is the source of all our pain, but also the door to ephemeral pleasures that justify existence. It is through it that we communicate with others, the environment and ourselves. Despite its fragility, it allows us to access the sacred if we are attentive to it. Gore and pornography are places of ritualization of the body that participate in this knowledge of the world through affects.

< visual identity and narrative >
The sequence shot is something that comes up often. Fixed shots as well. These visual choices often express the "dead end" in which people find themselves. Both support the feeling of alienation experienced by my characters in addition to creating a feeling of unease through duration and fixity. It's impossible to look away! I also put a lot of effort into the soundtrack, be it the choice of music and the sound effects. I linger a lot on the experience of time lived by the viewer. This return to oneself is central in my universe.

< the thing from the lake >
I had wanted to make a pornographic film for a long time. When Adult Time approached me and gave me carte blanche to write and direct a medium-length film inspired by horror cinema, I immediately seized the opportunity. The actors were collaborative, motivated and extremely professional. What's wonderful about porn actors is that they know how to play with their bodies for the camera. The pleasure of seeing and staging moving bodies in a purely visual language was extremely stimulating for me. I am a director who favors image and sound over dialogue. Contemporary pornographic, experimental and horrific films are among the rare genres to summon the unconscious nature of cinema by sending it back to the obsessions that this art had in its early days. It is very primitive and therefore very powerful.

< independent filmmaker >
Being an independent filmmaker gives me complete freedom over the subjects I want to address, but also the way to shape them. I can allow myself to make unusual choices and go to the extremes. On the other hand, I rarely have the financial means for my ambitions. Yes, it stimulates creativity, but it also means that there are certain things that I cannot do (shoot in 35mm or build huge sets for example). To be independent is also to disturb the established system which prefers to ignore us, even at times to despise us. Being one is statement. Regarding COVID, the main impacts are to further complicate filming and increase production costs. It just takes more planning to reduce these challenges.

< asmodeus: how to build an atmospheric ritual >
Give yourself a strong line or concept to guide your mise en scène. For Asmodeus, it was a question of summoning the great occultist traditions in a visual way. Naturally, the fantastic cinema of the 1920s imposed itself by the inventiveness of its special effects, but also by the subjects tackled which joined the occult concerns of its time (magic, spiritualism, etc.). All the elements must aim to create an effect, a single emotion in the viewer. I always stay focused on this.

< the horror experience >
I strongly believe that horror, when done right, touches us in a primal way by giving shape to our deepest desires and fears. That's why it's still relevant. Its main object is the human experience: our emotions, our myths, our archetypes, life, death. By allowing us to look deep within ourselves, horror cinema opens up a unique perception of reality. It is a form of metaphysics.

< next projects >
A 2nd feature film. I hope to be able to start the financing process in 2023 for a shoot at the end of the year. It's ambitious, but everything is in progress. You can expect a new movie sooner rather than later! Until then, my band The SerVant is working on a first LP to be released at the end of 2023.

< final credits >
Thanks to all of you for your support over the years. Every time you watch one of my films, is a piece of your existence that you have chosen to grant me. It's a privilege. being able to connect with you through my obsessions is one of the most beautiful things in the world. I hope you get as much out of it as I do.



· versión en español ·


Éric Falardeau / Muerte y renacimiento

Desde sus primeros cortos, Éric Falardeau explora una profunda obsesión sobre el cuerpo como fuente de situaciones límite. Esta tendencia es evidente en Thanatomorphose, su primer largometraje, que obtuvo el premio a mejor película en el Festival Molins de Rei 2012. Cada historia de su filmografía—como La petite mort, The thing from the lake o Asmodeus—muestra una perspectiva nihilista de los seres humanos en el universo. Más allá de los límites entre horror y erotismo, Falardeau nos comparte una comprensión subversiva del cine y el lenguaje visual, la muerte y el renacimiento.

< referencias >
Diría que prefiero películas específicas a directores en particular. Hellraiser, por ejemplo, es un filme clave para mí por su imaginario erótico e imágenes potentes (el personaje de Frank, los Cenobitas, etc). El nihilismo de Holocausto Caníbal, la osadía de Nekromantik II, la violencia de La masacre de Texas y la puesta en escena barroca de Suspiria me han influido en grados distintos.

< corrección política >
Odio esta nueva tendencia moralizante en el denominado terror elevado. Para mí, el horror debe ser inquietante y transgresor. Debe ser la experiencia de llegar a cierto límite. Debe confrontarnos con nuestras contradicciones y partes oscuras. Hay una diferencia entre un cine ético y un cine moralizante. Tienes que darle espacio al espectador. Estos filmes no lo hacen. No necesito que me sermoneen sobre mi conducta. Sé reconocer la diferencia entre fantasia, sueño y realidad. Canchas distintas.

< fluidos, gore y porno >
El aspecto más importante de esta tríada es nuestra relación con la muerte a través de la lenta desintegración del cuerpo en la vejez y la enfermedad. El cuerpo nos permite experimentar el mundo. Es la fuente de todo nuestro dolor, pero también la puerta a placeres efímeros que validan la existencia. Es a través del cuerpo que logramos comunicarnos entre sí, con el entorno y nosotros mismos. Pese a su fragilidad, nos permite acceder a lo sagrado si le prestamos atención. El gore y la pornografía son ámbitos para ritualizar el cuerpo que participan de este conocimiento del mundo por la vía emocional.

< identidad visual y narrativa >
El plano secuencia es algo que suele estar presente. Los planos fijos también. Estas decisiones de carácter visual expresan el "callejón sin salida" al que se enfrentan los seres humanos. Ambas intensifican el sentimiento de alienación que experimentan mis personajes, además de producir una sensación de malestar reforzado por tomas largas y fijas. ¡Es imposible desviar la mirada! También pongo mucha atención en la banda sonora, tanto en la elección de la música como en los efectos sonoros. Me demoro en la experiencia del espectador respecto al tiempo. Este retorno a uno mismo es esencial en mi universo.

< the thing from the lake >
Desde hace tiempo quería hacer una película porno. Cuando Adult Time aprobó y me dio carta blanca para escribir y dirigir un mediometraje inspirado en el cine de terror, de inmediato aproveché la oportunidad. Los actores fueron colaborativos, entusiastas y muy profesionales. Lo maravilloso de los actores porno es que saben cómo jugar con sus cuerpos para la cámara. El placer de ver y escenificar cuerpos en movimiento en un lenguaje puramente visual fue estimulante para mí en grado sumo. Soy un director que le da prioridad a la imagen y el sonido sobre el diálogo. La pornografía contemporánea, los filmes experimentales y de terror se encuentran entre los géneros atípicos que reactivan la naturaleza inconsciente del cine mediante un retorno a sus obsesiones de origen. Es algo muy primitivo y por ello muy poderoso.

< director independiente >
Ser un director independiente me da completa libertad sobre los temas que quiero abordar y la forma de tratarlos. Puedo permitirme tomar decisiones inusuales y llevarlas al límite. Por otro lado, el financiamiento para mis ambiciones no suele ser frecuente. Sí, esto puede estimular la creatividad, pero también significa que hay ciertas cosas que no puedo hacer (rodar en 35mm o contruir escenarios enormes, por ejemplo). Ser independiente también tiene que ver con alterar el sistema que prefiere ignorarnos, incluso a veces despreciarnos. Ser íntegro es primordial. Con respecto al COVID19, los principales impactos son complicar aún más las filmaciones y aumentar los costos de producción. Solo se requiere más planeación para reducir estos desafíos.

< asmodeus: cómo crear un ritual atmosférico >
Fija un concepto o propuesta sólida que guíe tu puesta en escena. Para Asmodeus, se trataba de convocar las grandes tradiciones ocultistas de manera visual. Obviamente, el cine fantástico durante la década de 1920 se impuso por la inventiva de sus efectos especiales, pero también por los temas tratados que se sumaban a las cuestiones de mayor interés (magia, espiritismo). Todos los elementos deben apuntar a producir un efecto, una sola emoción en el espectador. Cuido siempre concentrarme en ello.

< la experiencia del horror >
Creo con firmeza que el horror bien hecho nos toca a un nivel primario al darle forma a nuestros más profundos deseos y miedos. Por eso sigue siendo relevante. Su objeto principal es la experiencia humana: nuestras emociones, nuestros mitos, nuestros arquetipos, vida, muerte. Al permitirnos mirar dentro de nosotros mismos, el cine de terror abre una percepción única de la realidad. Es una forma de metafísica.

< próximos proyectos >
Un segundo largometraje. Espero iniciar el proceso de financiamiento en 2023 para rodar a finales de año. Es ambicioso, pero está en curso. Pueden estar seguros que una nueva película saldrá tarde o temprano. Hasta entonces, mi banda The SerVant está trabajando en un primer LP para ser lanzado a finales de 2023.

< créditos finales >
Gracias a todos por su apoyo a lo largo de los años. Cada vez que visualizas una de mis películas, has decidido concederme una parte de tu existencia. Es un privilegio. Ser capaz de conectar contigo a través de mis obsesiones resulta una de las cosas más hermosas del mundo. Espero que lo valores tanto como yo.

entrevista + edición + traducción de contenidos: chris núñez
imágenes: jerome bertrand (cover) + éric falardeau (interiores)




In/visible · Alberto López


En su obra reciente, Alberto López (México D.F., 1974) dialoga con el cine y la pintura barroca para recrear atmósferas cargadas de misterio e incertidumbre. Los retratos que conforman esta serie plantean un cuestionamiento sobre los claroscuros de la identidad.

Actualmente estoy trabajando sobre el tema de la IDENTIDAD y la forma en que establecemos conexiones que nos hacen creer que esta es real y fija, y que somos lo que nos contamos. En este sentido, cuando experimentamos la vida lo hacemos de maneras distintas los unos de los otros, a través de nuestra acumulación de memorias, circunstancias y condiciones. Esto nos lleva a observar que la percepción de la vida varía según quienes somos de acuerdo a nuestra condición física y psíquica.

Mi relación con el BUDISMO comienza aproximadamente hace 5 años y puedo decir que ha sido la oportunidad de observar mi experiencia de una manera más cercana y de ver que puedo relacionarme más ampliamente con las cosas que me pasan en la vida. Es decir, trato de responder de modo más creativo, en lugar de hacerlo de una forma reactiva a las diferentes emociones, ya sea de felicidad, odio, tristeza, etcétera. No intento hacer historias con esas emociones. Realmente no me siento en calidad de tener una filosofía de vida, pues eso limita la misma experiencia.

Creo que es importante estar atento a nuestro entorno en cualquier contexto en el que nos encontremos. En el caso de MÉXICO, siento pena de un país que vive dentro del caos a partir de la infinita variedad de condiciones pasadas y presentes que no se resumen solo en un problema de corrupción o narcotráfico. Pero fuera de estar atento a estas condiciones, no siento que mi producción se afecte directamente a nivel creativo.

Normalmente comienzo ELABORANDO IDEAS alrededor del tema que me interesa pintar. En cuanto está definida la idea del proyecto, empiezo a hacer un banco de imágenes. De entre ellas, elegiré algunas y otras me servirán como parámetros para que yo mismo haga fotografía de registro. Teniendo todo el material reunido, empiezo con la etapa de producción de los cuadros.

En mi obra he sido influenciado principalmente por la PINTURA BARROCA, por su realismo, los colores intensos y los fuertes contrastes entre luces y sombras. Por su elección de escenas en su punto más dramático. Y por sus principales exponentes: Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Vermeer, De la Tour.



También debo admitir que soy un gran devorador del CINE y he visto cómo su fotografía ha influenciado a nivel estético mi trabajo. Es difícil elegir algunas películas, pero diría que un par de ellas que vienen al caso con mi proyecto presente y juegan con esta idea de identidad serían The man who fell to earth, de Nicolas Roeg, y Under the skin, de Jonathan Glazer.

En IN/VISIBLE estoy presentando una serie de retratos que muestran al individuo en el formalismo de la pintura. No solo me interesa la representación, sino también la oportunidad de ver a través de los personajes una parte de la condición humana, de mostrar la ambigüedad que nos caracteriza y el complejo espacio de condiciones que crean nuestro sentido de identidad.

La exposición estará exhibiéndose todo el mes de noviembre dentro del espacio de 1 MES 1 ARTISTA en Artículo 123, no. 123, en la Ciudad de México.



Todas las imágenes: Cortesía Alberto López

Claudia, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)

Despierto, óleo sobre madera (S/F)

Autorretrato, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)

Rafael, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)