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Death and rebirth · Éric Falardeau



Since his early shorts, Éric Falardeau explores a deep obsession about the body as source of extreme experiences. This trend is very clear in Thanatomorphose, his first feature film, which won the award for best film at the Molins de Rei Festival 2012. Every story from his filmography—like La petite mort, The thing from the lake or Asmodeus—shows a nihilist perspective of human beings in the universe. Beyond the limits of horror and erotism, Falardeau share with us a subversive insight of cinema and visual language, death and rebirth.

< references >
I would say that I prefer specific films rather than specific filmmakers. Hellraiser, for example, is an important film for me because of its erotic imagination and its strong images (the character of Frank, the Cenobites, etc.). The nihilism of Cannibal Holocaust, the audacity of Nekromantik II, the violence of The Texas Chainsaw Massacre and the baroque mise en scène of Suspiria have all influenced me to varying degrees.

< political correction >
I hate this new moralizing trend in so-called elevated horror. Horror for me must be disturbing and transgressive. It must be the experience of a certain limit. It must confront us with our dark sides and contradictions. There is a difference between a moral cinema and a moralizing cinema. You have to leave space for the viewer. What these films do not do. I don't need to be lectured about my behavior. I know how to tell the difference between fantasy, dream and reality. One is not the other.

< fluids, gore and porn >
The most important thing about this triad is our relationship to death through the slow disintegration of the body in aging and disease. The body is what we experience the world through. It is the source of all our pain, but also the door to ephemeral pleasures that justify existence. It is through it that we communicate with others, the environment and ourselves. Despite its fragility, it allows us to access the sacred if we are attentive to it. Gore and pornography are places of ritualization of the body that participate in this knowledge of the world through affects.

< visual identity and narrative >
The sequence shot is something that comes up often. Fixed shots as well. These visual choices often express the "dead end" in which people find themselves. Both support the feeling of alienation experienced by my characters in addition to creating a feeling of unease through duration and fixity. It's impossible to look away! I also put a lot of effort into the soundtrack, be it the choice of music and the sound effects. I linger a lot on the experience of time lived by the viewer. This return to oneself is central in my universe.

< the thing from the lake >
I had wanted to make a pornographic film for a long time. When Adult Time approached me and gave me carte blanche to write and direct a medium-length film inspired by horror cinema, I immediately seized the opportunity. The actors were collaborative, motivated and extremely professional. What's wonderful about porn actors is that they know how to play with their bodies for the camera. The pleasure of seeing and staging moving bodies in a purely visual language was extremely stimulating for me. I am a director who favors image and sound over dialogue. Contemporary pornographic, experimental and horrific films are among the rare genres to summon the unconscious nature of cinema by sending it back to the obsessions that this art had in its early days. It is very primitive and therefore very powerful.

< independent filmmaker >
Being an independent filmmaker gives me complete freedom over the subjects I want to address, but also the way to shape them. I can allow myself to make unusual choices and go to the extremes. On the other hand, I rarely have the financial means for my ambitions. Yes, it stimulates creativity, but it also means that there are certain things that I cannot do (shoot in 35mm or build huge sets for example). To be independent is also to disturb the established system which prefers to ignore us, even at times to despise us. Being one is statement. Regarding COVID, the main impacts are to further complicate filming and increase production costs. It just takes more planning to reduce these challenges.

< asmodeus: how to build an atmospheric ritual >
Give yourself a strong line or concept to guide your mise en scène. For Asmodeus, it was a question of summoning the great occultist traditions in a visual way. Naturally, the fantastic cinema of the 1920s imposed itself by the inventiveness of its special effects, but also by the subjects tackled which joined the occult concerns of its time (magic, spiritualism, etc.). All the elements must aim to create an effect, a single emotion in the viewer. I always stay focused on this.

< the horror experience >
I strongly believe that horror, when done right, touches us in a primal way by giving shape to our deepest desires and fears. That's why it's still relevant. Its main object is the human experience: our emotions, our myths, our archetypes, life, death. By allowing us to look deep within ourselves, horror cinema opens up a unique perception of reality. It is a form of metaphysics.

< next projects >
A 2nd feature film. I hope to be able to start the financing process in 2023 for a shoot at the end of the year. It's ambitious, but everything is in progress. You can expect a new movie sooner rather than later! Until then, my band The SerVant is working on a first LP to be released at the end of 2023.

< final credits >
Thanks to all of you for your support over the years. Every time you watch one of my films, is a piece of your existence that you have chosen to grant me. It's a privilege. being able to connect with you through my obsessions is one of the most beautiful things in the world. I hope you get as much out of it as I do.



· versión en español ·


Éric Falardeau / Muerte y renacimiento

Desde sus primeros cortos, Éric Falardeau explora una profunda obsesión sobre el cuerpo como fuente de situaciones límite. Esta tendencia es evidente en Thanatomorphose, su primer largometraje, que obtuvo el premio a mejor película en el Festival Molins de Rei 2012. Cada historia de su filmografía—como La petite mort, The thing from the lake o Asmodeus—muestra una perspectiva nihilista de los seres humanos en el universo. Más allá de los límites entre horror y erotismo, Falardeau nos comparte una comprensión subversiva del cine y el lenguaje visual, la muerte y el renacimiento.

< referencias >
Diría que prefiero películas específicas a directores en particular. Hellraiser, por ejemplo, es un filme clave para mí por su imaginario erótico e imágenes potentes (el personaje de Frank, los Cenobitas, etc). El nihilismo de Holocausto Caníbal, la osadía de Nekromantik II, la violencia de La masacre de Texas y la puesta en escena barroca de Suspiria me han influido en grados distintos.

< corrección política >
Odio esta nueva tendencia moralizante en el denominado terror elevado. Para mí, el horror debe ser inquietante y transgresor. Debe ser la experiencia de llegar a cierto límite. Debe confrontarnos con nuestras contradicciones y partes oscuras. Hay una diferencia entre un cine ético y un cine moralizante. Tienes que darle espacio al espectador. Estos filmes no lo hacen. No necesito que me sermoneen sobre mi conducta. Sé reconocer la diferencia entre fantasia, sueño y realidad. Canchas distintas.

< fluidos, gore y porno >
El aspecto más importante de esta tríada es nuestra relación con la muerte a través de la lenta desintegración del cuerpo en la vejez y la enfermedad. El cuerpo nos permite experimentar el mundo. Es la fuente de todo nuestro dolor, pero también la puerta a placeres efímeros que validan la existencia. Es a través del cuerpo que logramos comunicarnos entre sí, con el entorno y nosotros mismos. Pese a su fragilidad, nos permite acceder a lo sagrado si le prestamos atención. El gore y la pornografía son ámbitos para ritualizar el cuerpo que participan de este conocimiento del mundo por la vía emocional.

< identidad visual y narrativa >
El plano secuencia es algo que suele estar presente. Los planos fijos también. Estas decisiones de carácter visual expresan el "callejón sin salida" al que se enfrentan los seres humanos. Ambas intensifican el sentimiento de alienación que experimentan mis personajes, además de producir una sensación de malestar reforzado por tomas largas y fijas. ¡Es imposible desviar la mirada! También pongo mucha atención en la banda sonora, tanto en la elección de la música como en los efectos sonoros. Me demoro en la experiencia del espectador respecto al tiempo. Este retorno a uno mismo es esencial en mi universo.

< the thing from the lake >
Desde hace tiempo quería hacer una película porno. Cuando Adult Time aprobó y me dio carta blanca para escribir y dirigir un mediometraje inspirado en el cine de terror, de inmediato aproveché la oportunidad. Los actores fueron colaborativos, entusiastas y muy profesionales. Lo maravilloso de los actores porno es que saben cómo jugar con sus cuerpos para la cámara. El placer de ver y escenificar cuerpos en movimiento en un lenguaje puramente visual fue estimulante para mí en grado sumo. Soy un director que le da prioridad a la imagen y el sonido sobre el diálogo. La pornografía contemporánea, los filmes experimentales y de terror se encuentran entre los géneros atípicos que reactivan la naturaleza inconsciente del cine mediante un retorno a sus obsesiones de origen. Es algo muy primitivo y por ello muy poderoso.

< director independiente >
Ser un director independiente me da completa libertad sobre los temas que quiero abordar y la forma de tratarlos. Puedo permitirme tomar decisiones inusuales y llevarlas al límite. Por otro lado, el financiamiento para mis ambiciones no suele ser frecuente. Sí, esto puede estimular la creatividad, pero también significa que hay ciertas cosas que no puedo hacer (rodar en 35mm o contruir escenarios enormes, por ejemplo). Ser independiente también tiene que ver con alterar el sistema que prefiere ignorarnos, incluso a veces despreciarnos. Ser íntegro es primordial. Con respecto al COVID19, los principales impactos son complicar aún más las filmaciones y aumentar los costos de producción. Solo se requiere más planeación para reducir estos desafíos.

< asmodeus: cómo crear un ritual atmosférico >
Fija un concepto o propuesta sólida que guíe tu puesta en escena. Para Asmodeus, se trataba de convocar las grandes tradiciones ocultistas de manera visual. Obviamente, el cine fantástico durante la década de 1920 se impuso por la inventiva de sus efectos especiales, pero también por los temas tratados que se sumaban a las cuestiones de mayor interés (magia, espiritismo). Todos los elementos deben apuntar a producir un efecto, una sola emoción en el espectador. Cuido siempre concentrarme en ello.

< la experiencia del horror >
Creo con firmeza que el horror bien hecho nos toca a un nivel primario al darle forma a nuestros más profundos deseos y miedos. Por eso sigue siendo relevante. Su objeto principal es la experiencia humana: nuestras emociones, nuestros mitos, nuestros arquetipos, vida, muerte. Al permitirnos mirar dentro de nosotros mismos, el cine de terror abre una percepción única de la realidad. Es una forma de metafísica.

< próximos proyectos >
Un segundo largometraje. Espero iniciar el proceso de financiamiento en 2023 para rodar a finales de año. Es ambicioso, pero está en curso. Pueden estar seguros que una nueva película saldrá tarde o temprano. Hasta entonces, mi banda The SerVant está trabajando en un primer LP para ser lanzado a finales de 2023.

< créditos finales >
Gracias a todos por su apoyo a lo largo de los años. Cada vez que visualizas una de mis películas, has decidido concederme una parte de tu existencia. Es un privilegio. Ser capaz de conectar contigo a través de mis obsesiones resulta una de las cosas más hermosas del mundo. Espero que lo valores tanto como yo.

entrevista + edición + traducción de contenidos: chris núñez
imágenes: jerome bertrand (cover) + éric falardeau (interiores)




Hermano: Anatomía del duelo · Mónica Licea



Mónica Licea (Guadalajara, 1990) nos comparte
sus procesos creativos en torno a la escritura, así
como los proyectos que desarrolla actualmente.

< escenario post covid >
En mi caso fue algo positivo porque tuve el tiempo de comenzar a escribir mi primer libro, leí mucho y busqué editores para trabajar en el manuscrito. Ha sido importante porque soy una persona solitaria y la pandemia me ha recordado cuán importante es vincularnos con los otros para seguir adelante. Pienso mucho en Rimbaud cuando dijo que ‘el poeta se hace vidente por un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos’, el aislamiento sin duda alguna fue eso para mí y mi escritura, una extraña amplificación de mis sentidos. Me siento afortunada y agradecida por estar viva y solo deseo rendir tributo a ese milagro.

< clúster de referencias >
Emily Dickinson, Arthur Rimbaud, Baudelaire; algunos beats como Allen Ginsberg, Jack Kerouac, Kenneth Koch; Sylvia Plath, Ted Hughes, Sharon Olds; Roberto Juarroz, Olga Orozco, Piedad Bonnett, María Negroni, Chantal Maillard, Raúl Zurita, el Tigre, Eduardo Lizalde (que lamentablemente falleció recientemente), Max Rojas, Cristina Rivera Garza, por mencionar algunos.

< proyectos >
Estoy por comenzar otra etapa de correcciones de mi primer libro de poesía, esto de la mano de la poeta y editora Elisa Díaz Castelo, a quien admiro profundamente y con quien estoy agradecida por el voto de confianza para trabajar juntas. Nunca he tenido prisa por publicar, pero sí me gustaría no demorarme otro año. Tengo una necesidad espiritual de tener este libro en físico como un cuerpo al cual llorarle, una evidencia del duelo de mi hermano y un lugar en donde trabajar la aceptación desde el amor.

Por ahora, apunto a estudiar una Maestría en Escritura Creativa y quiero seguir explorando la poesía visual. A veces también se me cruza la idea de volver a la docencia, quizás impartiendo talleres creativos o poesía experimental. Lo estoy aterrizando aún.

< foros >
Nunca tendré las palabras para agradecer a todos quienes han apostado por mi trabajo y me han abierto las puertas en sus espacios físicos y virtuales; a quienes creyeron desde el primer momento en mí: Enrique Carlos, amigo y editor de mi primer trabajo de poesía, Visión de la Ira; al Encuentro Internacional de Poetas en Zamora, Michoacán bajo la coordinación de Roberto Reséndiz, amigo entrañable y admirado.

Sin duda alguna, participar en estos espacios ha proyectado mi trabajo y me ha permitido hacer amistades extraordinarias, que no solo quiero, respeto y admiro, sino que me recuerdan que somos parte de la misma manada y es justo este sentido de pertenencia lo que considero uno de los aspectos más vitales en un oficio tan solitario y duro como la poesía.

< hermano >
El proceso con mi libro, titulado Hermano, me ha llevado cerca de tres años. La obra gira en torno a la figura de mi hermano mayor, Néstor Alan, quien falleció a los 18 años en un accidente automovilístico en donde estuvo involucrado el hijo de un funcionario de gobierno. Es un libro híbrido que emplea herramientas como la poesía opaca, notas periodísticas e intervenciones de otros textos; pretende ser un testimonio sobre el duelo y la perdida, además de hacer un apunte sobre el sistema fallido de justicia que tenemos en nuestro país y toda Latinoamérica.

Siempre supe que el tema no era sencillo y esto se vio reflejado en la batalla monumental por encontrar un editor, el proyecto pasó por cuatro, siendo el último un poeta chileno con quien tuve importantes avances pero debido a que salieron a la luz temas de violencia de género sobre una ex pareja suya, decidí abandonar la relación con él porque me considero feminista y tengo en alto el valor de la sororidad. Eso simplemente fue desesperanzador, decidí pausarlo todo. Necesitaba un tiempo fuera porque me sentía con un agotamiento emocional importante y mi depresión crónica comenzó a intensificarse, tuve que subir la dosis de mi medicamento y todo se tornó muy oscuro.

Durante esos meses sabáticos, me puse a reflexionar sobre la forma en la que estaba aproximándome al medio editorial. Me percaté que había puesto mi obra en manos de hombres principalmente, quizás para muchos esto no es algo relevante, pero en mi caso fue una revelación porque pude darme cuenta de que tenía una especie de necesidad por la aprobación masculina/paternal como un patrón; fue cuando todo cambió y decidí buscar a una editora. Desde hace años admiro profundamente el trabajo de Elisa Díaz Castelo, así que me aventuré a escribirle con la esperanza de que pudiera aceptar trabajar conmigo y para mi sorpresa accedió. Desde esa primera revisión con ella, mi libro comenzó a iluminarse, los textos de repente tenían confianza, fuerza y estaban sostenidos por amor. Allí me di cuenta de que estaba en el lugar correcto.

< desafíos >
Creo que el problema principal es que la poesía es uno de los géneros menos vendidos en la industria editorial porque no responde a los intereses del mercado, y si a eso le sumas que en México tenemos un bajísimo nivel de lectura (¡de dos a tres libros por año!) pues ya estamos en enorme desventaja.

Asimismo, los escritores emergentes cargan con el estereotipo de que la poesía es aburrida, tiene cierto grado de dificultad o está restringida a una élite. También encontramos el constante problema con los egos, las comparaciones y una red de apoyo entre autores bastante débil. Considerando esto, el desaliento es bastante comprensible. Sin embargo, es importante seguir empujando con fuerza y amor, hacer comunidad con quien esté en sintonía y hacer circular la poesía fuera de los circuitos de la industria editorial: blogs, fanzines, proyectos independientes, lecturas públicas y el diálogo necesario con otras artes.

< digital vs impreso >
Ambos tienen sus ventajas, el formato digital permite llevar la lectura a todas partes, almacenar cientos de libros en un solo dispositivo y acondicionar el tamaño del texto a las necesidades del lector. Sin embargo, yo soy de la vieja escuela y prefiero el libro impreso porque favorece la comprensión de la lectura y genera una mayor identificación emocional. Nada supera la sensación de palpar las hojas, hacer apuntes, oler, llorar, abrazar y besar un libro.

< manifestarse >
Como decía John Berger: las manifestaciones son ensayos para la revolución. Manifestarnos nos da esperanza, nos pone en movimiento y por lo tanto, nos empuja a abrazar y valorar nuestra vida; nos permite visibilizar una problemática y ponerla en boca de todos a través de su difusión en redes sociales; exhibir los patrones de impunidad en nuestro país, así como el fallo de nuestro sistema y finalmente invitar a una reflexión colectiva con mayor conciencia sobre los fenómenos sociales que nos violentan como mexicanas y mexicanos.

< outro >
Pueden descargar de forma libre mi primera plaquette de poesía Visión de la Ira editada por Sombrario Ediciones y la plaquette Perro Ciego de Nostalgia Ferozen Poesía Mexa. Espero pronto tener noticias sobre el proceso editorial de Hermano. Finalmente, agradezco el apoyo, la difusión generosa y el recibimiento tan cálido que día con día me brindan proyectos como Dudumdush, revistas locales e internacionales, blogs, encuentros y festivales de poesía y todos los lectores que se disponen con el corazón abierto a mis letras; son uno de los grandes motivos que me empujan a seguir transitando con disciplina amorosa este oficio.

< ... >


edición de textos: christian núñez · imágenes: gonzalo bojórquez

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Índex · Samia Farah




ÍNDEX: MUESTRA DE LIBROS DE ARTISTA incluye seis salas de exposición en el CENTRO DE ARTES VISUALES/CAV de MÉRIDA, así como cápsulas de video donde colaboradores de distintas generaciones hablan sobre sus procesos, la publicación de una revista—el número 33 de VÓRTICE—, mesas de diálogo y una serie de reflexiones acerca del libro como concepto y la lectura en un sentido transversal. Platicamos con SAMIA FARAH acerca de su proyecto.

MONTAJE
Estoy muy sorprendida de que los participantes—entre alumnos, egresados de la ESAY y artistas con trayectoria—se hayan sumado.

ESMERALDA TORRES · QUERÉTARO
PATRICIA LAGARDE · CIUDAD DE MÉXICO
LUIS CARLOS HURTADO · CAMPECHE
OMAR SAID CHARRUF · YUCATÁN
MINA BÁRCENAS · CUBA

A varias de las artistas de la ESCUELA SUPERIOR DE ARTES DE YUCATÁN/ESAY les di clases [ANNA KAREN MIRANDA, ARIADNE GUZMÁN, VALERIA SÁNCHEZ, MEGHAN CARDEÑA, YUKARI UZETA, MARIJOSE ROMERO, SOFÍA PAREDES], de modo que fue posible observar su evolución y una curva de aprendizaje. En sus investigaciones encuentro varias posibilidades y a partir de estos antecedentes ya sabía qué esperar. En total, fueron dos semanas de montaje durante las cuales hubo bastante comunicación y acompañamiento total. Pensamos en ÍNDEX como un proceso de aprendizaje, tanto para las artistas como para mí.

Es mi primer proyecto curatorial de cero, y fue una experiencia de vida y aprendizaje. Una ARQUITECTURA de emociones y contrastes de escalas. En este caso, utilizamos todo el equipo que había: capelos, bases, mandé a hacer mobiliario que diseñé, se produjeron piezas para algunas artistas, así como la mesa de consulta. Al final, el público abrazó y entendió muy bien la exposición.

INTERDISCIPLINA
No estamos encontrando el hilo negro del libro de artista, práctica que lleva décadas desde el DADAÍSMO, y ahora ha tenido un revival gracias a su multiplicidad de medios y soportes. Por eso es tan atractivo para los artistas. Sobre todo me interesaba plantear el dispositivo que permite generar un proyecto editorial y explorar medios instalativos y performáticos. El libro de artista plantea la cuestión de las VIDAS DE LA IMAGEN según la cual una misma imagen, concepto o serie puede vivir en distintos soportes/medios y este ejercicio es una gimnasia mental para que el artista visualice otros caminos.

ESPACIO
La planeación duró aproximadamente 6 meses. Había artistas cuyos procesos entraban a la práctica editorial, o con piezas ya existentes de fanzine o libro objeto que me interesaban puntualmente. Y a otros se les invitó a realizar ex profeso una intervención in situ. En general, elegí artistas con obra realizada de forma honesta y transparente. En cuanto a los puntales de la muestra, había cosas ya establecidas, que sabía cómo iban a funcionar, y otras que me interesaba que sucedieran en el espacio a partir de la reflexión expositiva, museográfica y procesual.

Asimismo, dentro de la exposición se realizaron varias CÁPSULAS DE VIDEO para aquellas piezas que no se pueden consultar, de modo que los artistas hablan de sus procesos y de cómo entienden el libro en tanto dispositivo para llegar a otros lugares.

MUSEOGRAFÍA
Hice un guión museográfico que ya incluía casi toda la DISTRIBUCIÓN solucionada, pero OMAR SAID CHARRUF definitivamente tiene mucha claridad en cuanto al espacio. Fue un trabajo mano a mano que sin él no hubiera podido concretarse. El proceso fue bastante orgánico, porque una vez reunido el cuerpo de obra había un hilo conductor. No tenía la intención de agrupar/encasillar por temáticas pero estas surgían a partir de la memoria como punto de partida, como aquello que se construye por la acumulación de los archivos, el objeto encontrado, el objeto de infancia, el archivo familiar. Empezaron a manifestarse estas líneas conductoras que prácticamente me guiaron al momento de establecer la distribución y el diálogo entre las piezas.

CUADERNOS
Un hito curatorial fue la presencia de los CUADERNOS ESCOLARES de ESMERALDA TORRES; son seis piezas que agrupadas en duplas generaban un tipo de narrativa en conjunto con lo que habitaba las demás salas. Por ejemplo, en la primera sala vamos a ver el cuaderno de Español asociado al concepto de árbol, con la idea del rizoma que es donde todo empieza, y el de montón con el cuaderno de Matemáticas, si pensamos en el acto de acumulación. Vemos también piezas de VALERIA SÁNCHEZ sobre la memoria de los objetos—cápsulas del tiempo, laberintos, mapas que se despliegan—, la bitácora expandida de ARIADNE GUZMÁN [RAM: RANDOM ACCESS MEMORY] y el fanzine ESCAPAR DE CASA, de ANNA KAREN MIRANDA. En la sala 2, se incluyen los cuadernos de Geografía e Historia, junto con las POSTALES DEL MUNDO FLOTANTE de SOFÍA PAREDES, y así sucesivamente.

LIBRO
Si bien JOHANNA DRUCKER concibe el libro de artista desde un ESPACIO MÚLTIPLE, hay teorías que dicen: el libro de artista es libre, pero su soporte debe ser el papel. O hay reglas y parámetros desde donde se mueve. O señalan que debe ser una secuencia de imágenes que planteen cierta narrativa lineal. Por lo menos quienes participamos en ÍNDEX, planteamos el libro de artista desde una base conceptual con absoluta libertad en cuanto a la noción de libro, es decir, todo aquello que demande una lectura. El mismo material exige cierta lectura, respira y posee narrativa.

STORYTELLING
La narrativa como tal ocurre a distintos niveles: la historia que cuenta el objeto, la historia de la secuencia de imágenes—más parecida al cine—, la historia a partir de la palabra y de piezas evanescentes. Aunque hay muchos proyectos que nacen de la literatura, también se incluyen libros digitales, de luz y de tela. Me parece que vivimos en una época donde la lectura no se remite al libro ni a lo literario, sino a la noción de leer: el espacio, el clima, a los ojos de otra persona. Es una constante de vida.

Así nos encontramos con obra de MEGHAN CARDEÑA, que involucra un libro bordado en formato de archivo familiar [CARTOGRAFÍA DE UN ROSTRO AUSENTE] y una instalación [CUBRE LA MEMORIA] a partir de un vestido, fotografías intervenidas y grabados en punta seca. Y de YUKARI UZETA, que trabaja con tejido intuitivo, collage y fotografías en una pieza de carácter performático [ME DESANGRO].

Pero lo mismo encontraremos CARTAS AMOROSAS de LA DUPLICADORA, una interpretación visual de LA METAMORFOSIS DE KAFKA, cortesía de PATRICIA LAGARDE, fotografías de MINA BÁRCENAS u OMAR SAID CHARRUF, libros objeto para coleccionistas como UN VIAJE EN ZEPPELÍN de YANI PECANINS y AMIDAKUJI de ÁLEX DORFSMAN, y bitácoras de LUIS CARLOS HURTADO y una servidora, ENTRE OTROS.

ARCHIVO
Trabajé mucho tiempo con archivo familiar, hasta que me di cuenta de que me interesaban esos espacios en blanco. No acceder a la historia real, sino armar una propia. Ir a los anticuarios, escoger imágenes, crear narrativas, modificarlas a través de la pintura, escribir los textos. Es como un juego. De repente tomo elementos de mi contexto, de mi familia o de mí misma, y los transformo en otra cosa. Actualmente estoy trabajando con OMAR en el cortometraje de TROPICALIA.

DIFUSIÓN
Quienes tengan interés en conocer más sobre ÍNDEX, pueden visitar nuestras redes sociales [FACEBOOK + INSTAGRAM], así como las intervenciones de los colaboradores acerca de su obra, en YOUTUBE. En su momento organizamos mesas de diálogo con ESMERALDA TORRES y ARTISTAS de la ESAY. Y el pasado 4 de DICIEMBRE presentamos el número 33 de la revista VÓRTICE, que reúne artistas de ÍNDEX y varios fundadores.

DUDUMDUSH ideas colectivas


SAMIA FARAH (Campeche, 1990) es arquitecta. Estudió la Maestría en Producción y Enseñanza de Artes Visuales en la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Su producción aborda una investigación sobre el trabajo con archivo encontrado y construido. Becaria del programa Jóvenes Creadores, FONCA en la especialidad de Pintura, ediciones 2019-2020 y 2017-18. Premio de adquisición Zona Sur, Movimiento Plástico (FORCAZS) Mérida, Yucatán (2018). Primer lugar en el III Premio Estatal de Artes Visuales "Enrique Herrera Marín" (2014). Becaria en la categoría Jóvenes Creadores-Pintura del PECDA, Campeche (2013). Su obra se ha expuesto en el Festival internacional de arte contemporáneo A-PART Alpilles, Francia. En el Salzburger Kustverein (Salzburgo, Austria), en la Bienal de la Habana, Cuba. Y en las ciudades de Oaxaca, Aguascalientes, Colima, Puebla, Campeche, CDMX, y Mérida. Actualmente imparte el taller de dibujo en la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY).

ÍNDEX: MUESTRA DE LIBROS DE ARTISTA cuenta con financiamiento del programa
Apoyo a Instituciones Estatales de Cultura (AIEC).


Edición de textos: Christian Núñez · Fotos: Omar Said Charruf /Samia Farah