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La instalación de Felipe Mazzeo visualiza

el espacio urbano a partir del papel reciclado

como materia prima.

TOPOLOGÍA Y PROXIMIDAD

La pieza surgió al principio del montaje, como una forma de resolver el espacio, ya que las piedras originalmente iban a situarse en el piso de la sala. Para no obstruir el paso de la gente, decidí montarlas en un capelo.

La base está formada con el papel reciclado en proceso de secado, pero aun húmedo. Se traza una relación entre las piedras que están arriba y el material de la base como dos momentos geológicos de la región, muy distantes.

Se formó un microclima justamente por la humedad de las piedras. Ciertas condiciones provocaron el surgimiento de plantas muy pequeñas. Funcionó como un espacio aparte dentro de la instalación.

MANGLAR

La pieza en cuestión surge a partir de una investigación que realicé en el manglar de Yucatán [en la ciudad de Progreso]. La cuestión de la humedad y el manglar como bosque de la región conforman una interfaz entre agua y tierra. El corte que se produce entre el manglar y el mar sigue detonando la producción de las piezas.

MONOLITOS URBANOS

A partir de resultados y cuestiones que analicé en el manglar mediante la fotografía, ahora sitúo esta instalación desde el entorno urbano. Considero las hojas de papel—los desechos, sobre todo—como una posibilidad de regeneración.

Las hojas de periódicos, revistas y cuentas bancarias me dieron la posibilidad de generar obras que hablaran del paisaje en un sentido muy amplio: el paisaje que consideramos naturaleza y la naturaleza de nuestro paisaje como civilización.

La pulpa de papel que se unía al verter la mezcla resultó en un collage o lienzo no-en blanco, trazado por el tiempo y la aleatoriedad.

LECTURA ECOLOGISTA

Sí, hay una lectura ecologista pero tampoco es unidireccional. La muestra plantea preguntas en relación con la ecología y a lo que pensamos que es un discurso ecologista. De repente me cuestionaron que pintara con acrílico, pero en realidad me interesa más la perspectiva del artista que habla de la ecología que el discurso ecologista como tal.

DEPURACIÓN Y HEURÍSTICA

Durante el proceso que me había trazado de recolectar papel desde los diferentes puntos de la ciudad—centros culturales, el barrio donde vivo—, al colocar los contenedores de recolección, observé que las cosas no salían como esperaba. Por ejemplo, entre los desechos había plásticos, celofanes y envases de PET. Tuve que hacer una depuración, tirar a la basura los materiales que no eran papel.

Si bien la mayor parte de los elementos estaban preestablecidos, había cierto margen de error. Este ejercicio de depuración me dio otra lectura sobre la posibilidad del material, incluso cuando no es puro. Los monolitos no están formados solamente de papel. El camino inesperado e imprevisto que se abrió me ha dado la pauta para futuros proyectos. Es lo que llaman heurística.

FACHADAS, RIZOMAS

Los monolitos tienen dos superficies intervenidas. De un lado, hay una pauta marcada de la que no me moví: veremos fachadas, composiciones geométricas que se basan en fotografías de mi cuenta en Instagram. Del otro lado, aparecen representaciones de la flora citadina. Esta idea la desarrollé hasta desplazarme a otro tipo de gráfica figurativa, más enfocadas a identidad y paisaje, a construcciones abstractas que se relacionan y citan estructuras sociales: el rizoma, los árboles genealógicos, por ejemplo.

PLANTAS SIN NOMBRE

De plantearme esta cuestión representativa de la flora con nombres, empecé a hacer videos de las plantas que crecen sin nombre, en la línea del zócalo [bit.ly/2NavJhH]. Hierbas que son parte de la ciudad y crecen a partir de la humedad en las construcciones.

ACÚSTICA

En la configuración del espacio urbano, quería que el sonido jugara el mismo papel que el papel. Tomé el sonido de distintas partes de la ciudad para generar una pieza única. Coches, motos, el vendedor del barquillero con el sonido de sus campanitas, y esas flautas que se oyen son los músicos de la ESAY ensayando en los andenes de la ex estación de ferrocarriles. La otra base acústica proviene de New Space Music, disco de Brian Eno que contiene una misma armonía en variaciones.

DICOTOMÍA

En este collage, con materiales de los talleres infantiles de dibujo impartidos en el Centro Cultural del Sur, puedes observar diferentes ejercicios: rellenado, dibujos de la flora, cuestiones abstractas. Quise crear una pieza que mostrara la cuestión autoral que se estimula desde la infancia, y al mismo tiempo expresar la evaporación del artista como productor. Porque, a fin de cuentas, la pieza solo es un collage de referencias/estilos/temas. En contraposición a esto, tenemos el plano de una casa que corre el riesgo de repetirse infinitamente, como parte de una serie.

REFERENCIAS

Sol LeWitt es un referente del arte conceptual. Y teóricos, están Roland Barthes, Walter Benjamin, Hal Foster, Susan Sontag, Boris Groys.

Un último gesto visual de la instalación es un grafismo como comentario al libro Oriente y Occidente, de Luis Racionero, donde se exponen aspectos sobre filosofía y religión. En este caso, quise expresar la dicotomía entre divinidad y naturaleza. Con un gesto simple [círculo + línea recta], representé tiempo lineal y tiempo cíclico.

LÍMITES

Resulta difícil la total congruencia hacia una postura fijada. ¿Qué significa ser ecológico hoy, o ser un artista ecológico? Me encuentro en constante reflexión sobre este paisaje interno dividido, y es con lo que me gusta jugar: los límites entre ser artista y ser humano. La apuesta por lo ecológico puede llegar a ser muy radical.

[Monolitos Urbanos: Topología y Proximidad, de Felipe Mazzeo, es un proyecto beneficiario del Fondo Municipal para las Artes Visuales 2019 cuyo montaje ha sido posible gracias al apoyo de la SEDECULTA en el Centro de Artes Visuales (CAV) de Mérida.]

Edición de textos: Christian Núñez.

Imágenes: Cortesía del autor.

Lee nuestra reseña/ensayo sobre la instalación en ConejoBelga.

Creo que mi PROCESO CREATIVO sigue ya cierta pauta. Es decir, hay ciertas formas de hacer o formas de acercarme a que he ido encontrando y amoldando a mi trabajo y mi forma de ser en el tiempo que me he dedicado a la pintura. Esto no quiere decir que no haya espacio y oportunidad para cosas diferentes o nuevas, o que algo a lo que no estoy habituada o no conozco no pueda influir o tener efecto. Me parece importante estar abierta siempre a conocer nuevas formas, materiales, ideas, reflexiones, ya que nunca dejas de experimentar y añadir cosas nuevas a tu bagaje de conocimientos.

Casi siempre hay una IDEA O REFLEXIÓN previas, y de ahí parte la planeación y estructuración de las obras que quiero crear. Aunque esto no deja mucho espacio a lo fortuito, muchas veces cuando ya estás trabajando directamente sobre la obra es necesario añadir o cambiar cosas que no habías planeado desde un principio y que adquieren gran importancia o relevancia para la misma. Esos momentos imposibles de predecir suelen ser muy buenos cuando llegan.

Desde que comencé en esta práctica he trabajado en base al RETRATO y la figura humana, quizá con una inclinación en la representación del gesto psicológico de los personajes. A partir de esto han derivado las temáticas de las series que he desarrollado y poco a poco se han ido añadiendo otros elementos para enriquecer el discurso pictórico.

Aunque quizá no fue algo de lo que estuviera plenamente consciente desde un principio, la relación entre LO MICRO Y LO MACRO está presente en todas las series que he producido, desde aquellas en las que abordo al elemento agua como motivo hasta el más reciente trabajo que he desarrollado con respecto a las vista aéreas del espacio geográfico.

En las series en relación al AGUA, los personajes aparecen en actitudes reflexivas y momentos contemplativos que parecen ser catalizados por la presencia del líquido, llevándolos así a un instante de reflexión y autoconocimiento. Algo tan pequeño, sutil y fugaz puede tener un gran impacto en el ser humano—además de ser la base, origen y motor de su propia existencia.

En trabajos más recientes incluyo otros escenarios que involucran las VISTAS AÉREAS del territorio geográfico, haciendo así una reflexión sobre los conceptos de espacio y distancia a un nivel personal. En la serie Aerial, los personajes se contraponen en un mismo plano pictórico a algunas abstracciones del entorno. De esta manera se enfrentan dos magnitudes aparentemente diferentes en un mismo plano, haciéndose evidente su relación interdependiente. Ninguna es posible sin la existencia de la otra.

Creo que en mi trabajo siempre ha habido un gran factor o referencia subjetivo; viene mucho de reflexiones y percepciones personales. Por otro lado, al hacer pintura representativa o realismo me interesan los pintores de este tipo. He admirado a muchos, pero quizá el más relevante en cierto momento para mí ha sido VERMEER.

Siempre he creído que LA OBRA DEBE HABLAR POR SÍ MISMA. El artista no debe preocuparse en cómo lo va a recibir e interpretar el espectador. Su tarea es crear y producir de acuerdo a sus principios, intenciones e inquietudes. No está obligado a dar explicaciones. Por más que te esfuerces en que la obra sea interpretada de cierta manera, quien la contempla siempre verá lo que quiera ver, lo que su trasfondo en cuanto conocimientos y experiencias le lleven a percibir.

La pintura está más abierta que nunca a la EXPERIMENTACIÓN y derivación hacia diferentes disciplinas, lo que da muchas posibilidad para articular y enriquecer tu propuesta. Quizá debe llegar un momento en que, a nivel profesional, sea tan admisible una pintura con enfoque más tradicional en cuanto a técnicas y materiales como aquellas que se presenten como experimentales o diferentes a lo que estamos acostumbrados. Ambos casos son totalmente válidos, mientras haya una investigación y pertinencia de acción e intención del artista con respecto a lo que quiere transmitir, y mientras la cualidad plástica de la pintura esté presente.

Todas las imágenes: Cortesía Cassandra de Santiago

Aerial II-Ferris Wheel, óleo/tela, 140 x 120 cm (2015)

Aerial I-The Construction Of Distance, óleo/madera, 130 x 100 cm (2015)

Aerial IV-The Geometry Of Distance, óleo/tela, 180 x 160 cm (2015)

Drop the bomb, óleo/tela, 150 x 150 cm (2009)

Dilusión-Underwater I, óleo/tela, 160 x 150 cm (2013)

Get Clean I, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

Get Clean II, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

La relación entre mi obra y SAN FRANCISCO TLALNEPANTLA es determinante. El pueblo donde vivo es como una cápsula. Ahí está mi casa y en ella mi taller. A kilómetro y medio está la alberca a la que asisto a diario caminando, porque el nado es un factor crucial en mi trabajo. Podría decir que las características tangibles e intangibles del lugar y lo que implica vivir ahí, aparecen sin velo en mi obra.

EL AGUA, EL CUERPO Y EL NADO han sido nociones fundamentales en los últimos cinco años. No obstante, entre 2014 y 2015 han perdido centralidad, mas no permanencia. Creo que podría relacionar cualquier cosa, cualquier tema a estos tres elementos.

Ahora mismo, con el proyecto de Utnapishtim, voy a nadar temprano y a las diez de la mañana ya estoy en el taller prácticamente enclaustrado. Salgo poco, sólo cuando es necesario para atender algunas cosas. Estas salidas obligadas resultan a menudo determinantes en el proceso del proyecto. Mientras trabajo, escucho documentales en YouTube. Ayer escuché uno de la serie "Cosmos" de CARL SAGAN y eso también asoma en el resultado.

Todas las imágenes: Cortesía del autor.

Vivientes (1 de 2). Impresión digital sobre papel fabriano. 21 x 34 cm. 2015

Inanna. Archivo digital. Medida y soportes variables. 2015

Ciervo-lluvia. Dibujo sobre papel fabriano. 2015

Inanna. Archivo digital. Medida y soporte variables. 2015