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Hotel Vermeer · César Córdova


En su obra reciente, César Córdova (Ciudad de México, 1983) nos presenta un catálogo de escenas eróticas que dialogan con los grandes maestros de la pintura. Hotel Vermeer es, de hecho, una transgresión al academicismo con una potente carga de humedad y humor.

Entre el inicio de la serie Conejos y el final de Hotel Vermeer hay 5 AÑOS de diferencia, años en los que he reflexionado constantemente sobre cómo hacer la pintura y para qué. El cambio principal es que ahora soy consciente de algunos elementos que no eran protagónicos en mi trabajo, por ejemplo, el uso del humor.

La serie HOTEL VERMEER surge de observar las pinturas de Johannes Vermeer, éstas tenían un fin moralizante, describen lo que se esperaba del comportamiento de la mujer del siglo XVII. Sin embargo, Vermeer, con un guiño de ironía, nos sugiere que esta actitud de castidad no siempre se cumplía y que la mujer podía acceder a la seducción del hombre. En esta serie me interesa hacer evidente aquello que Vermeer solo insinuó, llevar la escena que él pintó un paso adelante en el tiempo donde el encuentro sexual se realizaría.

Utilizo imágenes de la PORNOGRAFÍA más ordinaria, en la que podemos ver un erotismo franco y vulgar. La idea es contraponer la obscenidad de estas imágenes con escenas de la historia del arte en un intento de transgredir la solemnidad de la pintura clásica.

Mientras trabajaba la serie de Hotel Vermeer me encontré con una pintura de ANDY WARHOL titulada Before and After (Antes y Después). Se trata del anuncio de una clínica de cirugía estética que Warhol extrajo de un periódico y reprodujo en un lienzo. La imagen describe el cambio en la forma de la nariz de una mujer. Una nariz grande y aguileña que, después de una cirugía, se transforma en una nariz recta y respingada. Mi primera reacción al ver este cuadro fue la risa, una risa que irrumpió el silencio del museo donde me encontraba. A partir de esa experiencia permití que el humor fuera más evidente en mi trabajo. Antes consideraba que el arte tenía que ser, invariablemente, algo serio. La intención de la serie se amplió, no sólo a transgredir la pintura clásica con escenas eróticas, sino también con elementos cómicos.

La RISA que provoca esa pintura de Warhol surge de la sorpresa, del cambio drástico de apariencia que sufre la mujer. ¿Pero qué esconde esta risa? ¿Por qué reímos en realidad? Puede ser que la risa oculte un miedo que nos atormenta, la imposibilidad de escapar de nuestra propia imperfección. La risa puede ayudarnos a descubrir inquietudes, frustraciones, o miedos; y con esto convertirse en una forma de resistencia ante las estructuras que nos moldean y controlan. En la risa podemos ser libres por un instante.

Visualmente no me interesa generar un estilo particular, creo que lo que conocemos como estilo pictórico es una IDEA OBSOLETA. En el siglo XXI los pintores ni siquiera utilizan un solo medio, pueden pintar y hacer video, performance, o instalación como parte de su propuesta artística. Mi trabajo está en constante cambio porque mis intereses cambian. El artista refleja el mundo en el que vive, un mundo cada vez más veloz en el que la idea de algo fijo es imposible.

No estoy seguro de buscar intencionalmente que los elementos en mis pinturas se equilibren, sino más bien que estén en TENSIÓN constante. Me interesa mucho más lo que pueda surgir del choque y del enfrentamiento entre lo clásico y lo hipermoderno que de la estabilidad.

La FUNCIÓN DEL PINTOR es colocar en el mundo imágenes que no existían antes. Estas imágenes necesitan ser utilizadas por un espectador. No se trata de que el espectador descifre las intenciones del artista (lo que quiso decir), sino más bien de darles un sentido y significado personal, que la imagen genere una experiencia, un pensamiento o una reacción en el observador. El circuito del arte (museos y galerías) tiene la función de poner la obra en contacto con el público y permitir que este proceso se lleve a cabo.








Todas las imágenes: Cortesía César Córdova

Jauría. 2015. 200 x 170 cm. Óleo sobre tela.

El Templo del Langur Gris. 2015. 120 x 240 cm. Óleo sobre tela.

Astro. 2013. 50 x 45 cm. Óleo sobre tela.

Catecismo. 2015. 50 x 40 cm. Óleo sobre tela.

Panda. 2015. 50 x 45 cm. Óleo sobre tela.

Las hijas del señor Boit. 2015. 50 x 40 cm. Óleo sobre tela.

Clío. 2015. 240 x 200 cm. Óleo sobre tela.

Conejo Gris. 2015. 180 x 150 cm. Óleo sobre tela.




Perspectiva aérea · Cassandra de Santiago



En esta ocasión, Cassandra de Santiago (Ciudad de México, 1986) nos habla sobre sus procesos creativos, los temas que ha desarrollado en su obra pictórica—el agua y las vistas aéreas—y su punto de vista respecto a la experimentación en la pintura. Sigue leyendo…



Creo que mi PROCESO CREATIVO sigue ya cierta pauta. Es decir, hay ciertas formas de hacer o formas de acercarme a que he ido encontrando y amoldando a mi trabajo y mi forma de ser en el tiempo que me he dedicado a la pintura. Esto no quiere decir que no haya espacio y oportunidad para cosas diferentes o nuevas, o que algo a lo que no estoy habituada o no conozco no pueda influir o tener efecto. Me parece importante estar abierta siempre a conocer nuevas formas, materiales, ideas, reflexiones, ya que nunca dejas de experimentar y añadir cosas nuevas a tu bagaje de conocimientos.

Casi siempre hay una IDEA O REFLEXIÓN previas, y de ahí parte la planeación y estructuración de las obras que quiero crear. Aunque esto no deja mucho espacio a lo fortuito, muchas veces cuando ya estás trabajando directamente sobre la obra es necesario añadir o cambiar cosas que no habías planeado desde un principio y que adquieren gran importancia o relevancia para la misma. Esos momentos imposibles de predecir suelen ser muy buenos cuando llegan.

Desde que comencé en esta práctica he trabajado en base al RETRATO y la figura humana, quizá con una inclinación en la representación del gesto psicológico de los personajes. A partir de esto han derivado las temáticas de las series que he desarrollado y poco a poco se han ido añadiendo otros elementos para enriquecer el discurso pictórico.

Aunque quizá no fue algo de lo que estuviera plenamente consciente desde un principio, la relación entre LO MICRO Y LO MACRO está presente en todas las series que he producido, desde aquellas en las que abordo al elemento agua como motivo hasta el más reciente trabajo que he desarrollado con respecto a las vista aéreas del espacio geográfico.

En las series en relación al AGUA, los personajes aparecen en actitudes reflexivas y momentos contemplativos que parecen ser catalizados por la presencia del líquido, llevándolos así a un instante de reflexión y autoconocimiento. Algo tan pequeño, sutil y fugaz puede tener un gran impacto en el ser humano—además de ser la base, origen y motor de su propia existencia.

En trabajos más recientes incluyo otros escenarios que involucran las VISTAS AÉREAS del territorio geográfico, haciendo así una reflexión sobre los conceptos de espacio y distancia a un nivel personal. En la serie Aerial, los personajes se contraponen en un mismo plano pictórico a algunas abstracciones del entorno. De esta manera se enfrentan dos magnitudes aparentemente diferentes en un mismo plano, haciéndose evidente su relación interdependiente. Ninguna es posible sin la existencia de la otra.

Creo que en mi trabajo siempre ha habido un gran factor o referencia subjetivo; viene mucho de reflexiones y percepciones personales. Por otro lado, al hacer pintura representativa o realismo me interesan los pintores de este tipo. He admirado a muchos, pero quizá el más relevante en cierto momento para mí ha sido VERMEER.

Siempre he creído que LA OBRA DEBE HABLAR POR SÍ MISMA. El artista no debe preocuparse en cómo lo va a recibir e interpretar el espectador. Su tarea es crear y producir de acuerdo a sus principios, intenciones e inquietudes. No está obligado a dar explicaciones. Por más que te esfuerces en que la obra sea interpretada de cierta manera, quien la contempla siempre verá lo que quiera ver, lo que su trasfondo en cuanto conocimientos y experiencias le lleven a percibir.

La pintura está más abierta que nunca a la EXPERIMENTACIÓN y derivación hacia diferentes disciplinas, lo que da muchas posibilidad para articular y enriquecer tu propuesta. Quizá debe llegar un momento en que, a nivel profesional, sea tan admisible una pintura con enfoque más tradicional en cuanto a técnicas y materiales como aquellas que se presenten como experimentales o diferentes a lo que estamos acostumbrados. Ambos casos son totalmente válidos, mientras haya una investigación y pertinencia de acción e intención del artista con respecto a lo que quiere transmitir, y mientras la cualidad plástica de la pintura esté presente.




Todas las imágenes: Cortesía Cassandra de Santiago

Aerial II-Ferris Wheel, óleo/tela, 140 x 120 cm (2015)

Aerial I-The Construction Of Distance, óleo/madera, 130 x 100 cm (2015)

Aerial IV-The Geometry Of Distance, óleo/tela, 180 x 160 cm (2015)

Drop the bomb, óleo/tela, 150 x 150 cm (2009)

Dilusión-Underwater I, óleo/tela, 160 x 150 cm (2013)

Get Clean I, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

Get Clean II, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

Marketing, cultura y corazón · Ana Ceballos


Ana Ceballos se especializa en gestión de proyectos culturales, marketing y comunicación. A su regreso de España en 2012, funda en Mérida, Yucatán su propia empresa: Aforo Gestión Cultural, donde brinda servicios de consultoría y formación continua.

Soy licenciada en DERECHO, pero lo que más estudié en mi vida—de los 5 a los 23 años—fueron métodos de danza, desde ballet clásico, hasta jazz y danza contemporánea. Creo que estudiar leyes fue un accidente, en ese momento, pero actualmente estoy muy orgullosa de ello. Me dio todas las tablas para tomar decisiones, proteger a mis clientes, razonar, reflexionar, elaborar documentos—herramientas que hoy aplico en mi labor como gestora cultural, ya que tengo que leer mucho, resumir y redactar proyectos creativos innovadores y con un trasfondo social. Creo que mi trabajo es sumamente creativo, ya que debo conocer de forma profunda un proyecto artístico o cultural para poder crear una historia en mi cabeza digna de ser contada.

Como abogada, tuve la oportunidad de trabajar en el área administrativa, para el gobierno, y adquirí experiencia en RELACIONES PÚBLICAS, POLÍTICAS Y DIPLOMACIA. Cuando decidí dedicarme finalmente a la gestión cultural, adopté un método a la antigua: estudiar y formarme a través de una certificación oficial y entonces empezar a ejercer.

Durante mi residencia en Madrid, tuve la oportunidad de estudiar una maestría en GESTIÓN CULTURAL, en la Universidad Carlos III de Madrid—dos años teóricamente y uno más de prácticas profesionales. Para mí fue muy revelador darme cuenta que en Madrid existía una industria cultural viva y activa que ofrece, a los gestores culturales profesionales, la increíble posibilidad de colaborar con instituciones públicas y privadas, y vivir de tu profesión.

Cuando regresé a Mérida, el PANORAMA en un principio fue muy desalentador. Tuve que pasar por varios procesos internos antes de tomar la decisión de levantar una empresa que tenía como giro un concepto que nadie conocía aún: la gestión cultural.

Otra REVELACIÓN crucial fue comprender que la mercadotecnia podía estar vinculada con las artes y la cultura. Mi formación artística y de gestión cultural inicial en Mérida fue basada en ideas como que los procesos artísticos no se vinculan con la mercadotecnia, ya que se tenía mucho miedo a desvalorizar el arte como tal, maquillando su verdadera esencia con estrategias de mercado. Yo crecí con esa influencia, y cuando llegué a España me di cuenta que existía otro sector, el de un marketing no invasivo sino experiencial, que se aplicaba no al proceso creativo, sino al proceso de captación de públicos, con el fin de multiplicar sus posibilidades de acercamiento con la experiencia creativa. Quedé fascinada.

Conocí a las PERSONAS MÁS ESTRATÉGICAS en ese entonces y que hoy son piezas claves en los temas de marketing para las artes y la cultura. Robert Muro, de elmuro producciones; Raúl Ramos Monzón, de Asimétrica; José Manuel Gómez Zorrilla, del Museo Picasso, y Pepe Zapata del Mercat de les Flors son las personas más reconocidas en marketing en España, sin duda. Me siento afortunada, ya que gracias a esta experiencia en la residencia pude conocer gente tan valiosa, que hoy en día, apoya mucho a Aforo en sus procesos de crecimiento en México. Incluso, han colaborado como docentes en varios programas de formación que hemos liderado en Mérida y hemos tenido la enorme posibilidad de aprender de ellos desde casa.

LA GENTE NO CONSUME LO QUE LUCE ACARTONADO y lo que está armado muy meticulosamente. Lo que es más sencillo, lo que es más light, lo que es más empático, lo que te toca, o lo que coincide con ese momento en tu vida, es lo que la gente consume en España. Y eso me enamoró. Me di cuenta que el coste en los procesos de gestión de públicos, en un inicio, son mínimos, comparados con toda la pérdida de información que dejamos ir al no aplicar una estrategia clara de vinculación con nuestros públicos. En Mérida, este problema lo padecían muchos espacios culturales.

En Europa los artistas firman contratos, tienen DERECHOS LABORALES, seguridad social, reglamentaciones fiscales, jurídicas y el respeto a sus derechos es muy marcado. Hay una legislación que los protege y un sector que sigue estas normas como en cualquier otra industria. Comprendí que mi profesión de abogada tenía todo que ver y me facilitaba mucho el entendimiento de estas cuestiones.

En México jamás hubo un MECENAS que mantuviera a un solo artista, como le pasó a Miguel Ángel, en Italia, o a Da Vinci en su momento. Eso no está en nuestra historia. Los intelectuales saben que en Londres, Estados Unidos y Canadá el arte no depende del gobierno, sino de la industria privada, y no dejan de ser intelectuales por tener que buscarse la vida y la sustentabilidad para generar sus propios proyectos. El gobierno lo único que hace es fungir como facilitador para garantizar que el arte llegue a todos de forma democrática.

Los mejores sistemas en el mundo que organizan cultura en cuestión económica son aquellos gestionados en un 80% por organismos privados y en un 20% por el gobierno. Guadalajara y Monterrey funcionan ya bajo este esquema. Incluso el FONCA reconoce un apartado inédito, que antes no existía en México, de darle espacio a las industrias creativas para postular a fondos. Es decir, los empresarios y los artistas hacen una COINVERSIÓN para llevar a cabo un proyecto. De esta manera se logra un emprendimiento cultural mixto financiado por varios agentes públicos y privados. Ese es el mensaje que está mandando el equipo del FONCA justo ahora.

AFORO es un proceso en constante CRECIMIENTO. No creo que acabemos nunca de saberlo todo. Eso sería nuestra muerte súbita. Nos encanta trabajar en equipo y en colaboración con creativos. Nuestros clientes inscriben sus historias en nuestros lienzos en blanco, aprendemos mucho de cada proyecto que llega, eso nos conforma día a día. Nuestros servicios se centran en dar consultoría, impartir cursos de formación y difundir actividades y proyectos que beneficien a nuestros seguidores. Estoy muy agradecida y contenta por tener un espacio en el Centro Histórico de Mérida, donde actualmente están emergiendo muchos proyectos creativos que revitalizan la zona. Me siento orgullosa de formar parte de ese esfuerzo.


Nuestra labor para el 2016 se basará primordialmente en comunicar y dar a conocer qué es la gestión cultural, para qué sirve y cuál es su campo de acción.




Imágenes: Cortesía Aforo Gestión Cultural