DUDUMDUSH

DUDUMDUSH

►Somos una plataforma de contenidos donde conviven la escritura creativa, el periodismo de inmersión y el pensamiento lateral. #IdeasColectivas

Showing all posts tagged "Pintura"

Hotel Vermeer: César Córdova


En su obra reciente, César Córdova (Ciudad de México, 1983) nos presenta un catálogo de escenas eróticas que dialogan con los grandes maestros de la pintura. Hotel Vermeer es, de hecho, una transgresión al academicismo con una potente carga de humedad y humor.

Entre el inicio de la serie Conejos y el final de Hotel Vermeer hay 5 AÑOS de diferencia, años en los que he reflexionado constantemente sobre cómo hacer la pintura y para qué. El cambio principal es que ahora soy consciente de algunos elementos que no eran protagónicos en mi trabajo, por ejemplo, el uso del humor.

La serie HOTEL VERMEER surge de observar las pinturas de Johannes Vermeer, éstas tenían un fin moralizante, describen lo que se esperaba del comportamiento de la mujer del siglo XVII. Sin embargo, Vermeer, con un guiño de ironía, nos sugiere que esta actitud de castidad no siempre se cumplía y que la mujer podía acceder a la seducción del hombre. En esta serie me interesa hacer evidente aquello que Vermeer solo insinuó, llevar la escena que él pintó un paso adelante en el tiempo donde el encuentro sexual se realizaría.

Utilizo imágenes de la PORNOGRAFÍA más ordinaria, en la que podemos ver un erotismo franco y vulgar. La idea es contraponer la obscenidad de estas imágenes con escenas de la historia del arte en un intento de transgredir la solemnidad de la pintura clásica.

Mientras trabajaba la serie de Hotel Vermeer me encontré con una pintura de ANDY WARHOL titulada Before and After (Antes y Después). Se trata del anuncio de una clínica de cirugía estética que Warhol extrajo de un periódico y reprodujo en un lienzo. La imagen describe el cambio en la forma de la nariz de una mujer. Una nariz grande y aguileña que, después de una cirugía, se transforma en una nariz recta y respingada. Mi primera reacción al ver este cuadro fue la risa, una risa que irrumpió el silencio del museo donde me encontraba. A partir de esa experiencia permití que el humor fuera más evidente en mi trabajo. Antes consideraba que el arte tenía que ser, invariablemente, algo serio. La intención de la serie se amplió, no sólo a transgredir la pintura clásica con escenas eróticas, sino también con elementos cómicos.

La RISA que provoca esa pintura de Warhol surge de la sorpresa, del cambio drástico de apariencia que sufre la mujer. ¿Pero qué esconde esta risa? ¿Por qué reímos en realidad? Puede ser que la risa oculte un miedo que nos atormenta, la imposibilidad de escapar de nuestra propia imperfección. La risa puede ayudarnos a descubrir inquietudes, frustraciones, o miedos; y con esto convertirse en una forma de resistencia ante las estructuras que nos moldean y controlan. En la risa podemos ser libres por un instante.

Visualmente no me interesa generar un estilo particular, creo que lo que conocemos como estilo pictórico es una IDEA OBSOLETA. En el siglo XXI los pintores ni siquiera utilizan un solo medio, pueden pintar y hacer video, performance, o instalación como parte de su propuesta artística. Mi trabajo está en constante cambio porque mis intereses cambian. El artista refleja el mundo en el que vive, un mundo cada vez más veloz en el que la idea de algo fijo es imposible.

No estoy seguro de buscar intencionalmente que los elementos en mis pinturas se equilibren, sino más bien que estén en TENSIÓN constante. Me interesa mucho más lo que pueda surgir del choque y del enfrentamiento entre lo clásico y lo hipermoderno que de la estabilidad.

La FUNCIÓN DEL PINTOR es colocar en el mundo imágenes que no existían antes. Estas imágenes necesitan ser utilizadas por un espectador. No se trata de que el espectador descifre las intenciones del artista (lo que quiso decir), sino más bien de darles un sentido y significado personal, que la imagen genere una experiencia, un pensamiento o una reacción en el observador. El circuito del arte (museos y galerías) tiene la función de poner la obra en contacto con el público y permitir que este proceso se lleve a cabo.








Todas las imágenes: Cortesía César Córdova

Jauría. 2015. 200 x 170 cm. Óleo sobre tela.

El Templo del Langur Gris. 2015. 120 x 240 cm. Óleo sobre tela.

Astro. 2013. 50 x 45 cm. Óleo sobre tela.

Catecismo. 2015. 50 x 40 cm. Óleo sobre tela.

Panda. 2015. 50 x 45 cm. Óleo sobre tela.

Las hijas del señor Boit. 2015. 50 x 40 cm. Óleo sobre tela.

Clío. 2015. 240 x 200 cm. Óleo sobre tela.

Conejo Gris. 2015. 180 x 150 cm. Óleo sobre tela.




Perspectiva aérea: Cassandra de Santiago



En esta ocasión, Cassandra de Santiago (Ciudad de México, 1986) nos habla sobre sus procesos creativos, los temas que ha desarrollado en su obra pictórica—el agua y las vistas aéreas—y su punto de vista respecto a la experimentación en la pintura. Sigue leyendo…



Creo que mi PROCESO CREATIVO sigue ya cierta pauta. Es decir, hay ciertas formas de hacer o formas de acercarme a que he ido encontrando y amoldando a mi trabajo y mi forma de ser en el tiempo que me he dedicado a la pintura. Esto no quiere decir que no haya espacio y oportunidad para cosas diferentes o nuevas, o que algo a lo que no estoy habituada o no conozco no pueda influir o tener efecto. Me parece importante estar abierta siempre a conocer nuevas formas, materiales, ideas, reflexiones, ya que nunca dejas de experimentar y añadir cosas nuevas a tu bagaje de conocimientos.

Casi siempre hay una IDEA O REFLEXIÓN previas, y de ahí parte la planeación y estructuración de las obras que quiero crear. Aunque esto no deja mucho espacio a lo fortuito, muchas veces cuando ya estás trabajando directamente sobre la obra es necesario añadir o cambiar cosas que no habías planeado desde un principio y que adquieren gran importancia o relevancia para la misma. Esos momentos imposibles de predecir suelen ser muy buenos cuando llegan.

Desde que comencé en esta práctica he trabajado en base al RETRATO y la figura humana, quizá con una inclinación en la representación del gesto psicológico de los personajes. A partir de esto han derivado las temáticas de las series que he desarrollado y poco a poco se han ido añadiendo otros elementos para enriquecer el discurso pictórico.

Aunque quizá no fue algo de lo que estuviera plenamente consciente desde un principio, la relación entre LO MICRO Y LO MACRO está presente en todas las series que he producido, desde aquellas en las que abordo al elemento agua como motivo hasta el más reciente trabajo que he desarrollado con respecto a las vista aéreas del espacio geográfico.

En las series en relación al AGUA, los personajes aparecen en actitudes reflexivas y momentos contemplativos que parecen ser catalizados por la presencia del líquido, llevándolos así a un instante de reflexión y autoconocimiento. Algo tan pequeño, sutil y fugaz puede tener un gran impacto en el ser humano—además de ser la base, origen y motor de su propia existencia.

En trabajos más recientes incluyo otros escenarios que involucran las VISTAS AÉREAS del territorio geográfico, haciendo así una reflexión sobre los conceptos de espacio y distancia a un nivel personal. En la serie Aerial, los personajes se contraponen en un mismo plano pictórico a algunas abstracciones del entorno. De esta manera se enfrentan dos magnitudes aparentemente diferentes en un mismo plano, haciéndose evidente su relación interdependiente. Ninguna es posible sin la existencia de la otra.

Creo que en mi trabajo siempre ha habido un gran factor o referencia subjetivo; viene mucho de reflexiones y percepciones personales. Por otro lado, al hacer pintura representativa o realismo me interesan los pintores de este tipo. He admirado a muchos, pero quizá el más relevante en cierto momento para mí ha sido VERMEER.

Siempre he creído que LA OBRA DEBE HABLAR POR SÍ MISMA. El artista no debe preocuparse en cómo lo va a recibir e interpretar el espectador. Su tarea es crear y producir de acuerdo a sus principios, intenciones e inquietudes. No está obligado a dar explicaciones. Por más que te esfuerces en que la obra sea interpretada de cierta manera, quien la contempla siempre verá lo que quiera ver, lo que su trasfondo en cuanto conocimientos y experiencias le lleven a percibir.

La pintura está más abierta que nunca a la EXPERIMENTACIÓN y derivación hacia diferentes disciplinas, lo que da muchas posibilidad para articular y enriquecer tu propuesta. Quizá debe llegar un momento en que, a nivel profesional, sea tan admisible una pintura con enfoque más tradicional en cuanto a técnicas y materiales como aquellas que se presenten como experimentales o diferentes a lo que estamos acostumbrados. Ambos casos son totalmente válidos, mientras haya una investigación y pertinencia de acción e intención del artista con respecto a lo que quiere transmitir, y mientras la cualidad plástica de la pintura esté presente.




Todas las imágenes: Cortesía Cassandra de Santiago

Aerial II-Ferris Wheel, óleo/tela, 140 x 120 cm (2015)

Aerial I-The Construction Of Distance, óleo/madera, 130 x 100 cm (2015)

Aerial IV-The Geometry Of Distance, óleo/tela, 180 x 160 cm (2015)

Drop the bomb, óleo/tela, 150 x 150 cm (2009)

Dilusión-Underwater I, óleo/tela, 160 x 150 cm (2013)

Get Clean I, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

Get Clean II, óleo/tela, 150 x 150 cm (2010)

In/visible: Alberto López


En su obra reciente, Alberto López (México D.F., 1974) dialoga con el cine y la pintura barroca para recrear atmósferas cargadas de misterio e incertidumbre. Los retratos que conforman esta serie plantean un cuestionamiento sobre los claroscuros de la identidad.

Actualmente estoy trabajando sobre el tema de la IDENTIDAD y la forma en que establecemos conexiones que nos hacen creer que esta es real y fija, y que somos lo que nos contamos. En este sentido, cuando experimentamos la vida lo hacemos de maneras distintas los unos de los otros, a través de nuestra acumulación de memorias, circunstancias y condiciones. Esto nos lleva a observar que la percepción de la vida varía según quienes somos de acuerdo a nuestra condición física y psíquica.

Mi relación con el BUDISMO comienza aproximadamente hace 5 años y puedo decir que ha sido la oportunidad de observar mi experiencia de una manera más cercana y de ver que puedo relacionarme más ampliamente con las cosas que me pasan en la vida. Es decir, trato de responder de modo más creativo, en lugar de hacerlo de una forma reactiva a las diferentes emociones, ya sea de felicidad, odio, tristeza, etcétera. No intento hacer historias con esas emociones. Realmente no me siento en calidad de tener una filosofía de vida, pues eso limita la misma experiencia.

Creo que es importante estar atento a nuestro entorno en cualquier contexto en el que nos encontremos. En el caso de MÉXICO, siento pena de un país que vive dentro del caos a partir de la infinita variedad de condiciones pasadas y presentes que no se resumen solo en un problema de corrupción o narcotráfico. Pero fuera de estar atento a estas condiciones, no siento que mi producción se afecte directamente a nivel creativo.

Normalmente comienzo ELABORANDO IDEAS alrededor del tema que me interesa pintar. En cuanto está definida la idea del proyecto, empiezo a hacer un banco de imágenes. De entre ellas, elegiré algunas y otras me servirán como parámetros para que yo mismo haga fotografía de registro. Teniendo todo el material reunido, empiezo con la etapa de producción de los cuadros.

En mi obra he sido influenciado principalmente por la PINTURA BARROCA, por su realismo, los colores intensos y los fuertes contrastes entre luces y sombras. Por su elección de escenas en su punto más dramático. Y por sus principales exponentes: Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Vermeer, De la Tour.



También debo admitir que soy un gran devorador del CINE y he visto cómo su fotografía ha influenciado a nivel estético mi trabajo. Es difícil elegir algunas películas, pero diría que un par de ellas que vienen al caso con mi proyecto presente y juegan con esta idea de identidad serían The man who fell to earth, de Nicolas Roeg, y Under the skin, de Jonathan Glazer.

En IN/VISIBLE estoy presentando una serie de retratos que muestran al individuo en el formalismo de la pintura. No solo me interesa la representación, sino también la oportunidad de ver a través de los personajes una parte de la condición humana, de mostrar la ambigüedad que nos caracteriza y el complejo espacio de condiciones que crean nuestro sentido de identidad.

La exposición estará exhibiéndose todo el mes de noviembre dentro del espacio de 1 MES 1 ARTISTA en Artículo 123, no. 123, en la Ciudad de México.



Todas las imágenes: Cortesía Alberto López

Claudia, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)

Despierto, óleo sobre madera (S/F)

Autorretrato, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)

Rafael, 25 x 20 cm, óleo sobre madera (S/F)